Max Ernst de origen Alemán fue un artista impactante e innovador que minó su inconsciente de imágenes oníricas, que se burlaban de las convenciones sociales. Siendo un soldado en la primera Guerra Mundial, Ernst emergió profundamente traumatizado y muy crítico de la cultura occidental. Esta carga de sentimientos alimentó directamente su visión del mundo como irracional, una idea que se convirtió en la base de su obra.
La visión artística de Ernst, junto con su humor y su entusiasmo se ve fuertemente evidenciada en sus obras dadaístas y surrealistas. Igualmente, Ernst fue un pionero de ambos movimientos. Al pasar la mayor parte de su vida en Francia, durante la segunda guerra mundial Ernst fue categorizado como un extranjero enemigo. El gobierno de los Estados Unidos también le coloca la misma etiqueta cuando Ernst llegó como refugiado a ese país.
En su vida posterior, además de su prolífica producción de pinturas, esculturas y obras sobre papel, Ernst dedicó mucho de su tiempo a jugar y estudiar ajedrez que él venera como una forma de arte. Su trabajo con el inconsciente, su comentario social y amplia experimentación en el tema, así como su técnica siguen siendo influyentes.
Desarrollo
"Aqui Todo Sigue Todavía Flotando" (1920). Esta composición de recortes de fotografías de peces, dibujos anatómicos, insectos y bocanadas de nubes y humo están astutamente dispuestas, mostrando un collage único. A través de este medio, Ernst creó un mundo nuevo donde la aleatoriedad ilógica expresa la locura de la segunda guerra mundial, cuestionando la sensibilidad burguesa de ese entonces.
Max Ernst nació en una familia católica de nueve niños en Bruhl, Alemania, cerca de Colonia. Siendo una familia de clase media, Ernst aprendió a pintar de su padre, estricto disciplinario que era sordo y maestro que tenía un interés ávido en el arte académico. Buena parte de la obra de Ernst como adulto intentó socavar la autoridad entre ellas la de su padre. Aparte de esta introducción en la pintura en casa como amateur, Ernst nunca recibió cualquier otro entrenamiento formal en el arte. Sin embargo, fue responsable de sus propias técnicas artísticas.
Max Ernst se matriculó en la Universidad de Bonn en 1914 para estudiar filosofía pero pronto la abandonó, afirmando más adelante que él evitaba cualquier estudio que pudiera degenerar en su menosprecio. Igualmente, el artista prefirió aquellas áreas de estudio consideradas inútiles por sus profesores predominantemente la pintura, los filósofos sediciosos y la poesía poco ortodoxa.
En ese momento, Ernst se mostró profundamente interesado en la psicología y el arte de los enfermos mentales. Igualmente, en la primera guerra mundial Ernst fue reclutado en el ejército alemán y sirvió en una división de artillería en la que vivió directamente el drama y el derramamiento de sangre de la guerra de trincheras, sirviendo en los frentes occidental y oriental. Ernst fue uno de varios artistas surgidos del servicio militar heridos emocionalmente y enajenado de las tradiciones europeas y los valores convencionales.
Max Ernst atacó las convenciones y las tradiciones del arte, al mismo tiempo que posee un profundo conocimiento de la historia del arte europeo. Cuestionó la santidad del arte mediante la creación de obras no representativas y sin relatos claros, haciendo gala de iconos religiosos mediante la formulación de nuevos medios de creación de obras de arte para expresar la condición moderna.
Ernst estuvo profundamente interesado en el arte de los enfermos mentales como medio de acceso a la emoción primigenia y creatividad sin trabas. Ernst fue uno de los primeros artistas en aplicar los sueño de Sigmund Freud y sus teorías para investigar su psique profunda y explorar la fuente de su propia creatividad. Mientras se vuelca hacia sí mismo, Ernst también aprovechó el inconsciente universal con sus imágenes ideales comunes.
"Célebes" (1921). En el centro, una forma redonda grande domina la composición que Ernst basada en una fotografía de un depósito para el almacenamiento de maíz que el artista reconfiguró como un elefante mecánico desde el subconsciente. El título de la pintura viene a ser una rima infantil traviesa alemana que comienza, «el elefante de las Célebes tiene grasa pegajosa, de color amarillo de fondo,» una referencia indecente a los que saben. Pintura de Ernst demuestra su vinculación con la teoría freudiana del sueño, con sus extrañas yuxtaposiciones de objetos dispares.
Así, interesado en localizar el origen de su propia creatividad, Ernst intentó pintar libremente su psique interna en un intento por llegar a un estado preverbal. Esto desató sus emociones primarias y reveló sus traumas personales, que luego se convirtió en el tema de sus pinturas y collages.
Igualmente, este deseo de la pintura del subconsciente, también conocida como automática fue central en su obra surrealista y más tarde influiría en los expresionistas abstractos. Aunque principalmente autodidacta, Ernst fue influenciado por las obras de Vincent van Gogh y Agosto Macke y los lienzos de Giorgio de Chirico que habían movido su interés por la imaginería del sueño y lo fantástico. Ernst por lo tanto, estuvo muy tocado de las experiencias de su niñez y la guerra, lo que lo llevó a representar escenas absurdas y apocalípticas.
Ernst regresó a Alemania después del armisticio, por lo que, junto con el poeta artista Jean Arp ayudaron a formar el grupo Dada en Colonia. Al mismo tiempo mantuvo estrechos lazos con la vanguardia parisina. Igualmente, Ernst comenzó a crear sus primeros collages en 1919, con la reelaboración de materiales mundanos tales como manuales científicos y catálogos ilustrados desde el cambio de siglo, para crear imágenes nuevas impresionantes, fantásticas sin sets narrativos. Estas imagenes irracionales permitieron a Ernst el mundo de los sueños, el subconsciente y la alteración visual del todo, sondeando su propia psique para inspiración y para hacer frente a su propio trauma.
Max Ernst editó revistas mientras estaba en Colonia y ayudó a una exposición Dada en un baño público donde los visitantes fueron recibidos por una dulce niña recitando una poesía obscena. También colocó a la vista una de sus esculturas con un hacha, que el público estaba invitado a utilizar para atacar y destruir la obra de arte. Este evento público provocó un escándalo y sensibilidad en la burguesía de ese entonces.
En 1922, Ernst dejó a su primera esposa y se trasladó a París, donde vive y trabaja hasta 1941, cuando la segunda guerra mundial hizo imposible que permaneciera en Europa. Durante estas décadas, el surrealismo vino a desplazar el dadaísmo con la publicación de André Breton del primer Manifiesto surrealista en 1924, y Ernst se convirtió en uno de los miembros fundadores del movimiento.
Ernst y sus colegas artistas fueron descubriendo las posibilidades de autonomismo y los sueños; de hecho, sus investigaciones artísticas fueron ayudadas por hipnosis y complejos alucinógenos.
En 1925, con el fin de activar el flujo de las imágenes de su inconsciente, Ernst comenzó a experimentar con frottage (frotamientos del lápiz en materiales tales como madera, tela u hojas). Sus experimentos y las innovaciones técnicas llevaron a imágenes acabadas, de patrones accidentales y texturas definidas que luego incorporaría en sus dibujos y pinturas. Este énfasis en el contacto entre materiales, así como la transformación de materiales cotidianos para llegar a una imagen que significaba una especie de conciencia colectiva, pasaría a ser central en el concepto de automatismo en el surrealismo.
Importancia
"La Criatura" (1937). Representa una de sus más amenazantes obras, realizada de forma dinámica en lienzo.
Max Ernst logró una hazaña rara estableciendo una reputación brillante y crítica seguida en tres países simultáneamente (Alemania, Francia y Estados Unidos).
Aunque Ernst es un artista que hoy es más conocido por los historiadores del arte y académicos que por el público en general, su influencia a mediados de siglo en el arte americano es fácilmente reconocible.
A través de su asociación con Peggy Guggenheim, Ernst interactuó con los expresionistas abstractos directamente, a través de su hijo, Jimmy Ernst, un pintor expresionista abstracto Alemán-Americano bien conocido después de la guerra.
Mientras tanto, en Sedona, Ernst se sintió atraído al arte del sudoeste americano nativo Navajo como inspiración artística. Los expresionistas abstractos más jóvenes, en particular Pollock, quedaron impresionados con el arte de la pintura de arena, que estaba profundamente ligada a los rituales de sanación y evocación de lo espiritual.
Ernst sigue siendo una figura fundamental para que esos artistas profundamente interesados en la técnica, la psicología y el deseo de enfrentarse a las costumbres sociales.
Técnicas
"El Robo de la novia" (Detalle), 1940. Colección de Peggy Guggenheim, Venecia (Solomon Foundation, New York) © 2013, ProLitteris, Zurich.
En la biografía de Ernst destaca el tumulto de principios del siglo XX. Luchó en la primera Guerra Mundial, y fue condenado por su arte por los Nazis, fue internado en un campo de prisión y escapó a los Estados Unidos con la ayuda de la mecena de arte y coleccionista Peggy Guggenheim.
Siendo un hombre de su tiempo, Ernst entiende la urgencia de hacer sentido del mundo moderno, no a través de viejas estrategias de búsqueda de la verdad, sino a través de lo irracional, caótico, imprevisible y del otro mundo. Por lo que, Ernst dibujó particularmente a la realidad alternativa ofrecida por los sueños, captando su impenetrabilidad y esta cualidad de significación abierta caracteriza su acercamiento a la producción en general.
El movimiento Dada, de Colonia que Ernst había fundado, explorado y ejecutado en poesía, diseño expositivo innovador y collage, fue una forma de catalizar la colisión y reconfigurar el mundo. A principios de 1919, Ernst comenzó a explorar lo que él llamó «más allá de la pintura» (au-delá de la peinture). Sus primeras incursiones en este nuevo espacio había implicado el collage, una técnica de otros artistas Dada como Hannah Höch y John Heartfield que también estaban usando.
Así mismo en la obra de Ernst resulta fácil olvidar cuán radical fue esta técnica del collage, porque la cultura visual de revistas y el arte de calle había traído imágenes dispares en yuxtaposiciones extrañas de revelar, tales como las imagenes de André Breton. Por lo tanto, al escribir acerca de sus primeros collages, Ernst explica en su autobiografía lo absurdo de esa colección provocando una intensificación repentina de sus facultades visionarias.
Estas imágenes amatorias y conjuradas de visiones a medio dormir a Ernst, le gustaba pensar que eran contradicciones producto de sus sueños. Por lo tanto, cuando un grupo de sus collages se exhibieron en París en 1921, una serie de surrealistas más adelante encontraron inspiración en ellos.
En 1929 Ernst creó el primer libro de collage, titulado La Femme 100 têtes, una colección de finales del siglo XIX de impresiones, que modificó añadiendo estilísticamente similares intervenciones visuales. Cada collage fue acompañado por una leyenda absurda. El libro como un todo se lee como un melodrama victoriano en el que el orden de las escenas ha sido desordenado y quien lo tradujo al inglés admitió en la nota de traductor que todavía tenía que agotar su significado.
En 1925, Ernst comenzó a utilizar la técnica del frottage, que consiste en poner una hoja de papel sobre una superficie con textura y frotando con carbón o grafito. Ernst utiliza típicamente superficies texturadas como pasajes de una composición más grande. Él también empleó una técnica similar llamada grattage, en el que un objeto se coloca en un pedazo de papel, que luego se cubre con una fina capa de pigmento.
Por raspado el pigmento revela una impresión de los objetos y su textura. La pintura de flores de nieve (1929) fue creada mediante frottage y grattage.
"Sobre las nubes" (1920) Un personaje sin ojos mira directamente al espectador con un ademán enigmático. La postura del cuerpo es en sí misma extraña: las piernas, que más bien parecen femeninas, se inclinan hacia el frente, como en una invitación dudosa; no tiene brazos, pero se entiende, en la amalgama de hilos que conforman al torso, una cualidad contenida; el remate es sin duda la cara, que no tiene rostro, pero que de alguna forma logra expresión —no hay ojos, no hay boca, pero sí hay una presencia insistente que incita a un atisbo de personalidad etérea.
Ernst siguió experimentando con técnicas hasta su muerte en 1976. Igualmente, crea numerosas esculturas, contribuyendo con una sección experimental en 1947 de la película de Hans Richter sueños que el dinero puede comprar y a mediados de la década de 1940 había estado experimentando con una técnica de pintura llamada oscilación, que perfora un agujero en la parte inferior de una lata de pintura y luego iba moviendo la lata para crear curvas madejas de pintura.
Esta técnica se ha citado como influencia en el desarrollo de la pintura de acción. A lo largo de toda su carrera todavía se consideraba un pintor, sin embargo fue obligado a la constante reinvención.
Max Ernst considera su única virtud haber conseguido no encontrarse a sí mismo.
Siempre incorporó el caos, lo absurdo, el irracionalismo a cualquier composición buscando desafiar la interpretación. Por lo tanto, no sorprende que su obra enigmática le haya convertido en uno de los más conocidos, pero menos entendido, artistas del siglo XX.
Principales trabajos
El pintor durante sus últimos años.
Otras obras de Max Ernst son:
- Las mujeres deleitándose violentamente y agitándose en amenazante aire, 1929, Museo de Berlín.
-Snow (nieve) flores, 1929 de la Fundación Beyeler.
-Europa después de la lluvia, 1940-1942, Museo del Arte, Hartford.
-Dos niños amenazados por un ruiseñor, una de sus piezas más famosas, realizada en 1924.
Fuente: TIPOS DE ARTE
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